viernes, 4 de enero de 2013

La muerte de Pushkin


El 27 de enero de 1837, a los 37 años, muere en San Petersburgo Alexander Pushkin -herido en un duelo mantenido con el militar francés Georges d’Anthés- por la actitud provocadora de éste para con su esposa.
Esta es la versión que ha circulado siempre en las múltiples biografías oficiales sobre el gran poeta y novelista nacido en Moscú en 1799, considerado el fundador de la literatura rusa moderna.
Curiosamente, Pushkin había escrito una breve obra dramática basada en las extrañas circunstancias de la muerte de Mozart. Como el compositor al que tanto admiraba, también el gran poeta ruso murió trágica y prematuramente, aunque en un estúpido duelo, y no a causa de la posible enfermedad venérea que -junto con el exceso de trabajo y la miseria- llevó a la tumba a Mozart.
Pero hace unos pocos años se supo que la muerte de Pushkin no fue un accidente, sino un asesinato premeditado. Al menos a esa conclusión llegaron muchos de los participantes en un simposio celebrado en Moscú, según informó el notable poeta mexicano José Emilio Pacheco.
A los 37 años, Pushkin era el mayor poeta de Rusia y la voz de la oposición al despótico régimen del zar. Como si se tratara de la encerrona típicamente decimonónica que Ernst Jünger narra en Un encuentro peligroso, Pushkin fue empujado a un duelo cuyo resultado forzosamente tenía que serle fatal. Los agentes del zar fraguaron los anónimos sobre los supuestos adulterios deNatalia Gonchavora, esposa del poeta, a consecuencia de los cuales a principios de 1837 Pushkin se vio obligado a batirse con el barón francés D’Anthés Haeckeren. Este era un tirador profesional, expresamente contratado…
El duelo violó todas las reglas. Ningún médico estuvo presente y D’Anthés Haeckeren tiró a matar. Gravemente herido, Pushkin fue llevado a su casa en trineo, perdiendo durante el viaje dos litros de sangre. El doctor Arendt, cirujano personal de Nicolás I, tardó en llegar, impidió que otros colegas asistieran al herido y, durante las 46 horas que Pushkin sobrevivió, se limitó a darle calmantes en vez de extraerle la bala.
«Del modo más sexista y canalla -escribió José Emilio Pacheco- durante más de siglo y medio se había culpado de la muerte de Pushkin a Natalia Goncharova, a quien se atribuyeron amores con el zar. Desde ahora sabemos que el fundador de la gran literatura fue una víctima política: lo asesinó D’Anthés Haeckeren y lo remató el doctor Arendt.

viernes, 13 de abril de 2012

Poe ... Según Borges


Detrás de Poe, (como detrás de Swift, de Carlyle, de Almafuerte) hay una neurosis. Interpretar su obra en función de esa anomalía puede ser abusivo o legítimo. Es abusivo cuando se alega la neurosis para invalidar o negar la obra; es legítimo cuando se busca en la neurosis un medio para entender su génesis. Arthur Schopenhauer ha escrito que no hay circunstancia de nuestra vida que no sea voluntaria; en la neurosis, como en otras desdichas, podemos ver un artificio del individuo para lograr un fin. La neurosis de Poe le habría servido para renovar el cuento fantástico, para multiplicar las formas literarias del horror. También cabría decir que Poe sacrificó la vida a la obra, el destino mortal al destino póstumo.
Nuestro siglo es más desventurado que el XIX; a ese triste privilegio se debe que los infiernos elaborados ulteriormente (por Henry James, por Kafka) sean más complejos y más íntimos que el de Poe. La muerte y la locura fueron los símbolos de que éste se valió para comunicar su horror de la vida; en sus libros tuvo que simular que vivir es hermoso y que lo atroz es la destrucción de la vida, por obra de la muerte y de la locura. Tales símbolos atenúan su sentimiento; para el pobre Poe el mero hecho de existir era atroz. Acusado de imitar la literatura alemana, pudo responder con verdad: El terror no es de Alemania, es del alma. Harto más firme y duradera que las poesías de Poe es la figura de Poe como poeta, legada a la imaginación de los hombres. (Lo mismo ocurre con Lord Byron, tal vez con Goethe). Algún verso inmemorable - Was it not Fate, that, on this July midnight - honra y acaso justifica sus páginas, lo demás es mera trivialidad, sensiblería, mal gusto, débiles remedos de Thomas Moore. Aldous Huxley se ha distraído vertiendo al singular dialecto de Poe alguna estrofa sentenciosa de Milton; el resultado es lamentable, sin bien cabría objetar que un párrafo de El escarabajo de oro o de Berenice, traducido a la inextricable prosa del Tetrachordon, lo sería aún más. Nuestra imagen de Poe, la de un artífice que premedita y ejecuta su obra con lenta lucidez, al margen del favor popular, procede menos de las piezas de Poe que de la doctrina que enuncia en el ensayo The philosophy of composition. De esa doctrina, no de Dreamland o de Israfel, se derivan Mallarmé y Paul Valéry. Poe se creía poeta, sólo poeta, pero las circunstancias lo llevaron a escribir cuentos, y esos cuentos a cuya escritura se resignó y que debió encarar como tareas ocasionales, son su inmortalidad. En algunos (La verdad sobre el caso del señor Valdemar, Un descenso al Maelström) brilla la invención circunstancial; otros (Ligeia, La máscara de la Muerte Roja, Eleonora) prescinden de ella con soberbia y con inexplicable eficacia. De otros (Los crímenes de la Rue Morgue, La carta robada) procede el caudaloso género policial que hoy fatiga las prensas y que no morirá del todo, porque también lo ilustran Wilkie Collins y Stevenson y Chesterton. Detrás de todos, animándolos, dándoles fantástica vida, están la angustia y el terror de Edgar Allan Poe. Espejo de las arduas escuelas que ejercen el arte solitario y que no quieren ser voz de los muchos, padre de Baudelaire, que engendró a Mallarmé, que engendró a Valery, Poe indisolublemente pertenece a la historia de las letras occidentales, que no se comprende sin él. También, y esto es más importante y más íntimo, pertenece a lo intemporal y a lo eterno, por algún verso y por muchas páginas incomparables. De éstas yo destacaría las últimas del Relato de Arthur Gordon Pym de Nantucket, que es una sistemática pesadilla cuyo tema secreto es el color blanco.
Shakespeare ha escrito que son dulces los empleos de la adversidad; sin la neurosis, el alcohol, la pobreza, la soledad irreparable, no existiría la obra de Poe. Esto creó un mundo imaginario para eludir un mundo real; el mundo que soñó perdurará, el otro es casi un sueño.
Inaugurada por Baudelaire, y no desdeñada por Shaw, hay la costumbre pérfida de admirar a Poe contra los Estados Unidos, de juzgar al poeta como un ángel extraviado, para su mal, en ese frío y ávido infierno. La verdad es que Poe hubiera padecido en cualquier país. Nadie, por lo demás, admira a Baudelaire contra Francia o a Coleridge contra Inglaterra.

jueves, 27 de noviembre de 2008

Marx contraataca...

Carlos Marx está de moda.

El número de visitantes a la localidad alemana de Tréveris donde nació este filósofo en 1818 se ha disparado este año a 40.000.
Carlos Marx vuelve a estar de moda por la crisis financiera.
El responsable del museo dedicado a este ilustre ciudadano dijo que ha perdido la cuenta de las veces en que ha escuchado a los visitantes decir que, después de todo, Marx tenía razón.
En plena crisis financiera, su renovada popularidad también incluye la compra de sus obras.
Según aseguró a BBC Mundo Jason Craig, director de ventas digitales y online de la editorial Penguin en el Reino Unido, las ventas de "El Manifiesto Comunista" entre mayo y octubre de 2008 aumentaron un 900% comparado con el año pasado.
La filosofía económica marxista cayó prácticamente en el olvido tras el colapso de la Unión Soviética a finales de los años 80.
Pero el actual colapso bancario hace que muchos piensen que habría que releerle ya que, entre otros, advertía sobre la creación de un capitalismo explotador que termina por destruirse a sí mismo, advirtiendo además que el crédito debería estar en las manos del Estado.

Hasta la tumba

Entre los visitantes a la tumba de Marx destacan los cubanos y los chinos.
La moda Marx ha llegado hasta el cementerio de Highgate en el norte de Londres donde el pensador está enterrado.
La directora de la fundación a cargo de su mantenimiento, Jean Pateman, afirmó a BBC Mundo que no deja de recibir peticiones de información de cadenas y periodistas de todo el mundo.
"Esta mañana teníamos un grupo enorme de visitantes chinos esperando para entrar en el cementerio, también suelen venir sobre todo cubanos.
El otro día vino el embajador de Nepal y dejó una buena donación", afirmó Pateman a BBC Mundo.
Irónicamente, explicó que cada visitante tiene que pagar entrada, contribuciones que fueron clave para restaurar el sitio, en estado de abandono hace 30 años, y que siguen siendo fundamentales para mantener esta joya londinense.
"Esto no le habría gustado a Marx, pero me da igual lo que hubiera opinado. Como no recibimos fondos públicos tenemos que mantenerlo con donaciones privadas", añadió Pateman

¿Quién le lavó la cara a Stalin?


Él tuvo las manos manchadas con la sangre de millones de personas pero José Stalin escapó al juicio que la Historia le deparó por ejemplo a Adolfo Hitler. ¿Por qué el ex líder soviético se salvó de esta condena? La BBC se lo preguntó al historiador británico Laurence Rees.

Stalin, antes y después

Hace unos meses, durante una visita a una de las universidades británicas más importantes, vi por casualidad un gran póster desplegado en la pared de una de las residencias de estudiantes. Era de José Stalin.
Tal vez fuera una referencia irónica a algo. Tal vez simplemente estuviera cubriendo una mancha de humedad en la pared. Pero, en cualquier caso, a nadie parecía llamarle la atención.
Imagínese qué pasaría si en lugar de Stalin allí hubiera una imagen de ese otro terrible tirano del siglo XX, Adolfo Hitler. Imagínese la lluvia de protestas.
Todo esto es sintomático de lo siguiente: según el juicio de la historia (o al menos según el juicio del individuo británico común y corriente) Stalin parece haber salido más airoso de lo que merecía, y eso que él fue el responsable de la muerte de millones de personas.
Sus sospechas y su paranoia condenaron a la tortura y a la muerte a muchos individuos totalmente inocentes.
Cualquiera que tenga un conocimiento mínimo sobre Stalin sin duda sabrá de su naturaleza monstruosa.
Pero hay una explicación lógica sobre por qué el líder soviético está considerado todavía como una figura no tan oscura como debiera ser. Y es que todavía vivimos, en cierto modo, a la sombra de la información color de rosa sobre la Unión Soviética (URSS) que los aliados occidentales fabricaron como si de salchichas se tratara durante la segunda guerra mundial


Propaganda aliada

En Gran Bretaña muchos periódicos estaban decididamente a favor de los esfuerzos soviéticos durante la guerra.
Stalin y su gobierno en 1938, con Nikolay Yezhov, el jefe de la policía secreta, en el extremo derecho.
Además, el hecho de que el escritor George Orwell no lograra publicar su fábula Rebelión en la Granja, una brillante sátira sobre el estado soviético, es indicativo de que había entonces poco apetito por equilibrar la información con horrores.
Es más, en Estados Unidos, en la edición de enero de 1943 la revista Time publicó en la portada la imagen de Stalin como "Hombre del año" de 1942.
"1942 fue un año de sangre y fuerza", decía la revista.
"El hombre cuyo nombre significa acero en ruso, cuyas escasas palabras en inglés incluyen la expresión estadounidense "tough guy" (chico duro) fue el hombre de 1942... Los métodos de Stalin fueron duros, pero valieron la pena".
En otro artículo aún más positivo sobre Stalin, publicado en la revista Life en marzo de 1943, se describía a la Unión Soviética como una nación "casi igual que Estados Unidos", con gente que "parece estadounidense, se viste como los estadounidenses y piensa como los estadounidenses".
Además, en él se calificaba a la tristemente célebre policía secreta de Stalin, la NKVD (predecesora de la KGB), como "una policía nacional similar al FBI".

"Una mentira conveniente"

Pero el premio al más grande lavado de cara de Stalin se lo lleva la película de 1943 "Misión a Moscú", de los Warner Brothers, basada en un libro escrito por Joseph Davies, un ex embajador estadounidenses en la URSS.

"Los tres grandes": Churchill, Roosevelt y Stalin, en 1945.

Tanto en el libro como en el filme, se presenta a Stalin como una figura paternal para la Unión Soviética, un hombre gigante responsable de proyectos enormes de industrialización.
Y las purgas estalinistas, en las que sufrieron decenas de miles de inocentes, se pasan por encima como necesidades implícitas para la seguridad del estado.
Más tarde el productor de "Misión a Moscú", Robert Buckner, describiría la película como "una mentira conveniente para fines políticos".
Ya en los años 50 el largometraje fue condenado como propaganda pro soviética, pero durante la guerra fue un material extremadamente influyente.
Y no es que los gobiernos de Reino Unido y Estados Unidos no supieran la verdad sobre el régimen asesino de Stalin.
No sólo sabían ya en 1940 de la brutalidad con que las fuerzas estalinistas se comportaban en los territorios ocupados, sino que además el entonces presidente de EE.UU., Franklin Roosevelt, y el primer ministro británico Winston Churchill llegaron incluso a suprimir la información que denunciaba el hecho de que Stalin y su policía secreta habían orquestado un asesinato masivo: el de la muerte de miles de oficiales polacos en la masacre del bosque de Katyn.
Claro que no es difícil entender por qué los líderes políticos de EE.UU. y Reino Unido sintieron que tenían que dar una imagen positiva de Stalin y de la Unión Soviética.
La realidad era que la URSS era un aliado vital y que occidente necesitaba la ayuda del Ejército Rojo para luchar contra los alemanes.
El problema es que el legado de estas "mentiras convenientes" todavía no nos ha abandonado. Por eso espero que la gente llegue a darse cuenta de cuán atroz Stalin fue, y que los estudiantes se lo piensen dos veces antes de colgar imágenes de él por las paredes.
Adolfo Hitler, Fidel Castro, Augusto Pinochet y Ernesto "Che" Guevara están entre los 32 personajes del "Cuarteto de los Führer", un juego de naipes que está causando furor y furia en Alemania


"Cuarteto" es un tradicional juego de naipes que consiste en reunir las cartas en grupos de cuatro, según las cualidades o falencias comparativas de cada personaje en cada categoría. Hay ocho cuartetos en total.


Hasta ahora había cuartetos dedicados a automóviles, aviones, equipos de fútbol, ciudades: todos temas inocentes para distraer las largas tardes invernales de Alemania.


Sin embargo, el "Cuarteto de los Führer" ha transformado la diversión en polémica


El "Che" como prueba
En el nuevo juego hay seis categorías para cada personaje: educación, número de hijos, edad al tomar al poder, años en el cargo, edad al morir y tipo de muerte


jueves, 20 de noviembre de 2008

"El frasco" destapó la 20ª versión del Festival de Cine de Viña

La conmovedora comedia romántica del argentino Alberto Lecchi fue un cálido recibimiento para el certamen viñamarino, que subió su telón con una ceremonia en el Teatro Municipal

Una alfombra roja sobre las escalinatas del Teatro Municipal de Viña del Mar y la proyección de la cinta argentina "El frasco", de Alberto Lecchi, le dieron la bienvenida a la vigésima edición del Festival Internacional de Cine que se desarrolla en la Ciudad Jardín, que desde este lunes ofrece una nutrida agenda con un total de 152 películas.

Lecchi, quien hace ocho años se llevó de Viña el mejor recuerdo, la Gran Paoa por su película "Nueces para el amor", este año regresó no sólo en calidad de jurado en la competencia de largometrajes chilenos, sino que además presentando esta nueva cinta protagonizada por Darío Grandinetti ("Hable con ella") y Leticia Brédice ("Nueve reinas").

Esta conmovedora comedia romántica, que fue introducida para los presentes por el propio Lecchi, acompañado de Brédice, hizo que el público acariciara sus palmas en señal de aprobación al término de la función. Su estreno comercial en Chile debería producirse a fines del presente mes

El largometraje fue el colofón de una velada que se inició cerca de las 20:00 horas, con la inauguración animada por Tonka Tomicic y el actor Francisco Reyes. Por el escenario del Municipal viñamarino desfilaron autoridades como la ministra de Cultura, Paulina Urrutia; y la alcaldesa Virginia Regginato, además del director de la actual versión del festival, Edgardo Viereck.

La jornada de apertura no sólo tuvo al director de la película proyectada entre los invitados, sino que también a la principal figura que la organización del evento trajo para este año: el actor Edward James Olmos, ganador de un Emmy por su rol del teniente Martín Castillo en la serie "Miami Vice", doble ganador de Globos de Oro y nominado a un Oscar como Mejor Actor Protagónico por la película "Stand and Deliver".

La presencia de Olmos engalanó la velada que sirve como sala de espera para lo que comenzará el lunes, con una muestra –como es tradicional- de fuerte acento latinoamericano en su competencia internacional, además de presentar una debutante sección competitiva dedicada exclusivamente al cine nacional. De hecho, en total –incluyendo películas en instancias paralelas- se presentan 59 filmes locales, más que ningún otro festival de cine en Chile.

El certamen, que se extiende hasta el 22 de noviembre, tiene este año como país invitado a México, que no sólo tiene presencia en la competencia internacional, sino que también será objeto de una muestra paralela exclusiva. Entre la selección está "Arráncame la vida", de Roberto Sneider, considerada una de las películas más caras que se han producido en ese país hasta el momento

Para la jornada de lunes, destaca la proyección del documental "The Golden Age", cinta estadounidense narrada por Edward James Olmos –quien estará presente en la función- sobre un grupo de latinos que se reúnen en torno al fútbol en el país norteamericano. También se exhibirá la cinta "Muñeca", de Sebastián Arrau, que llegará a las salas comercialmente a partir de diciembre.

jueves, 21 de agosto de 2008

América en la lengua española...

Qué buen idioma el mío, qué buena lengua heredamos de los conquistadores torvos. Éstos andaban a zancadas por las tremendas cordilleras, por las Américas encrespadas, buscando patatas, tabaco negro, oro, maíz con un apetito voraz
Todo se lo tragaban, con religiones, pirámides, tribus, idolatrías... Pero a los conquistadores se les caían de las botas, de las barbas, de los yelmos, como piedrecitas, las palabras luminosas que se quedaron aquí, resplandecientes... el idioma. Salimos perdiendo... salimos ganando. Se llevaron el oro y nos dejaron el oro. Se llevaron mucho y nos dejaron mucho...
Pablo Neruda

El V Congreso Internacional de la Lengua Española se realizará en Valparaíso, Chile, del 2 al 6 de marzo del 2010, bajo el lema: América en la lengua española. Zacatecas (México, 1997), Valladolid (España, 2001), Rosario (Argentina, 2004) y Cartagena de Indias (Colombia, 2007) y ahora el puerto chileno en el Pacífico austral. Coincide la celebración con el Bicentenario de la Independencia de las repúblicas latinoamericanas. El escritor peruano, nacionalizado español, Mario Vargas Llosa, será uno de los invitados al congreso
Es la fiesta de la palabra de unas 450 millones de personas que hablan la lengua de Quevedo y Cervantes, en el mundo, y que reunirá a más de 200 lingüistas, historiadores, escritores, empresarios, periodistas, profesores, artistas, editores, sociólogos, responsables de medios de comunicación y expertos procedentes de los países hispanohablantes y de diversas zonas del mundo.
Académicos, escritores, periodistas, lingüistas y autoridades se aprestan a rendir homenaje a los poetas mayores de Chile vivos, Nicanor Parra y Gonzalo Rojas, y a Andrés Bello, insigne educador venezolano, poeta, filólogo, jurista, quien sería el principal impulsor de la creación de la Universidad de Chile, autor del Código Civil y de una Gramática del idioma castellano.
España editará, en el marco de las actividades, una antología de Pablo Neruda y de Gabriela Mistral, de un millón de ejemplares cada una. El Estado chileno está tiempo para editar una Nueva Antología de la Poesía Chilena, proyecto que sería muy bien recibido en América Latina,
Estados Unidos y España, como un homenaje a la lengua castellana (española).
Chile, país de poetas, podría invitar a los clásicos vivos de América, desde México a la Argentina, por ejemplo, de México a José Emilio Pacheco, Ernesto Cardenal de Nicaragua, Mario Benedetti, Uruguay, Carlos Germán Belli de Perú, Juan Gelman de Argentina. Y de paso a los poetas de la diáspora chilena, los que no volvieron y quizás nunca salieron. De España debiera estar presente José María Panero.


martes, 19 de agosto de 2008

Recordando a Donoso...

Se suele decir que Chile es tierra de poetas, no podemos negar la fecundidad de la lírica en nuestras fronteras, sin embargo nombres como Manuel Rojas y Juan Emar durante la vanguardia; José Donoso como representante e historiador del boom y actualmente Diamela Eltit como una de las propuestas más interesantes y postmodernas de la nueva narrativa latinoamericana, permiten afirmar que en la prosa despuntamos y por tanto, es justo hacer mención a tales figuras y no reducir las perspectivas de nuestras letras a un mero género.

Solemos enmarcar al boom en límites seguros: La Casa Verde , Cien Años de Soledad y Rayuela, pero qué hay del cubano Cabrera Infante, el mexicano Carlos Fuentes y desde luego nuestro compatriota, El escribidor intruso. Su opera magna, El Obsceno Pájaro de la Noche es una novela monumental, laberíntica y coral como el mismo la definió. Con ella nos invita a destrozar esos marcos determinantes y preconcebidos. Nos dispone con majestuosidad, ante un retrato cruel y a la vez sublime de nuestra identidad social y humana.

Existencias fragmentadas, miradas vigilantes que quiebran la individualidad que lucha por encontrarse y que muta en cada atmósfera plagada por la alteridad. El poder, las obsesiones, los miedos, la frustración. Es una novela mundo como Balzac proponía pero en términos más exóticos que los del francés. Donoso aquí no presenta estereotipos o figuras humanas definidas por sus labores o mera posición social, sino psicologías; patologías que revelan mucho del chileno, del patrón de fundo o el pretencioso que se jacta de su apellido o se oculta tras las apariencias. Conocemos al huérfano, al periférico, el fiel empleado y los linajes bastardos que se escamotean.

Es muy fácil perderse y encontrarse en las páginas de esta obra, sus quinientas hojas son tan barrocas y manieristas como la mente de su autor y los pasadizos de La Casa de la Encarnación de la Chimba, escenario en el cual transcurre mayoritariamente esta pieza. En ella confluye la experiencia vital del autor, el camino que previamente trazo con El lugar sin límites, Coronación y Este Domingo. Sus fantasmas, los vasos que comunican al lumpen con la burguesía a través de los sirvientes pero ricamente matizado con elementos de la mitología y génesis. En tal medida, cómo olvidar la rinconada y su población de gigantes hidrocefálicos, mujeres obesas y enanas empratrices. Donoso desafía los cánones, el intelecto y esquema estético del lector.

En sus manos, las alegorías de la verticalidad tiránica bullen y la sexualidad y su variantes, nos permiten cuestionar el problema de los roles, ¿Qué es femenino y masculino? Cómo se producen las desviaciones y la violenta misoginia, el homoerotismo, la ambigüedad y anulación del cuerpo. Las imágenes en definitiva se tornan en pesadillas bellas y sueños desastrosos o de mala muerte como el prefería llamarlos. Esa suma hace germinar una cosmogonía de criaturas aberrantes y nuevos mitos que replantean el ideario inconsciente y los símbolos de nuestro pasado que definirán las sendas del futuro.

Y como hombre, qué podemos decir. Donoso no negó jamás su condición de burgués. Muchos lo criticaran por eso, hiriéndolo desde el partidismo o la voz comprometida. Similares críticas recibieron Unamuno y los noventa y ochistas. Como en el caso de los españoles, su compromiso fue siempre con la literatura, su arma y portento. Y en lo relativo a su posición privilegiada, creo que hay que indagar mejor en su biografía y ver como trazó su camino de forma personal y consciente, basado en su trabajo y no en el apellido y tradición. El cual aprovecho, pero en un sentido opuesto. Él fue el primero en hurgar los trapos sucios y mitos en torno a su casta. En Coronación, Casa de Campo y Este Domingo, abiertamente desnuda a su propia estirpe y desde ese punto, el creador no vacila en extender la tarea hacia todos a su alrededor, incluido él mismo y desde luego Chile, el continente y me atrevería a decir incluso, el mundo.

Para él, estamos en una olla bastarda en que todos nos retroalimentamos de forma mixta, dañina, bien intencionada y porque no, trágica, dando origen a inconexos discursos, identidades mutiladas, rompecabezas humanos que nos esforzamos en escindir, en categorizar y enmarcar por miedo a la vergüenza, a la mirada, al juicio y oprobio. Pero cómo alcanzar una verdad y no sufrir los reproches de nuestra consciencia, si la verdad no es esa castidad y blancura auto-impuesta, sino un caos y millones de yo contrapuestos.

Creo que en esa medida Donoso, como sus amigos del boom lo definieron, el más literario de los literatos fue además el más comprometido, quizá no políticamente pero si social y psicológicamente con el hombre. Desde su actividad, que realizó hasta el último de sus días, jactándose de vivir en cada una de sus creaciones una aventura a ciegas de auto-descubrimiento y perdida; él paleo cualquier prejuicio e imagen y demostró ser un proyecto más de sus ficciones que nos replanteaban lo precario de la realidad.




Manifiesto... por Vicente Trovich

Bajo las aceras se desprenden los pasos que iniciaran el nuevo camino, me acompañan las intenciones y la fuerza que se proyecta desde la propia conciencia… es el momento exacto en donde se lanzan las agonías al vuelo sin retorno, para buscar la vida deslumbrada por los colores fugaces que imploran su propio nacimiento, y que nos llevan al renacimiento desde la muerte inmoral...
Hoy, contemplo la salida del sol con la perfección de lo virginal, de lo no vivido, y estas letras recorren cada centímetro de buena vida para despertar de su agonía injustificada...
Mis letras presentes, comienzan la sinfonía más perfecta, y mágicamente entrelazan sus formas hasta caer en una danza de sensaciones sublimes, fugaces y hermosas... En este instante descubro la realidad y vuelvo a nacer desde la distancia, desde el olvido y desde los espacios en los que me reencuentro con el nacimiento póstumo...
Aquí, eterno y junto al ritual que dicta mi copa de vino, me embriago de la exquisitez de la soledad, y escapo a las cadenas emocionales, en donde nada perturba la existencia de este viajero constante, y es esa constancia, arma indestructible, la que me llama desde la convicción mas profunda al lanzamiento de mis pasos hacia la belleza de la libertad…
En esta noche, la sangre de mis dedos manifiesta en su vuelo encantado la plenitud de lo vivido, de lo aprendido, de las caídas y de todo lo que este espacio y sus inmortales lectores han sido testigos…
Hoy lanzo mi homenaje a la vida, a la belleza de tener la posibilidad de plantearme ante el mundo, con todas las formas y rostros que llevo y los que he querido ser, humilde actor sin escuela que ha tomado la infinidad de lo existente como punta pies de lo creado, para ser quien se quiere ser, e inventarse y reinventarse por veces incontables...
Hoy lanzo mi manifiesto por la libertad creadora, por la libertad de escribir, cantar, danzar, pintar llorar y sonreír por cada centímetro de vida…
Lanzo mi manifiesto por la convicción profunda de que siempre hay un camino para abandonar la rutina de las lagrimas, de las muertes fugaces que perturban un buen día…
Hoy canto, cuento y presento ante todos, que nada nos impedirá cobijar en el alma la posibilidad de gritar y sumergirse en la belleza de la vida, en los detalles que nos llevaran a entender que todo, hasta los detalle más fugaces valen la pena, y que mirar a la vida con ojos desafiantes, con la convicción de que todo puede ser mejor, es lo que en cada segundo nos seguirá poniendo de pie...
Siempre...

jueves, 14 de agosto de 2008

El Gran Bolaño...

"¿Estamos grabando?" dice un relajado Roberto Bolaño (1953-2003) que mira hacia la cámara para saber si la cinta ya comenzó a girar. Una pequeña anécdota, parte de la vida cotidiana de un escritor como él que, tras la publicación en 1998 de Los Detectives Salvajes y la obtención con ella, al año siguiente, del Premio Rómulo Gallegos, daba charlas y entrevistas en forma recurrente.
La cinta proyectada en la Casa América de Cataluña, España, es un compendio de imágenes, fotografías y testimonios de aquellos que lo conocieron de cerca, más allá de su obra, como su viuda, Carolina López; su dos hijos, y sus amigos íntimos, como el escritor español Enrique Vila-Matas o el mexicano Juan Villoro

El documental se estructura en forma cronológica con el legado que Bolaño dejó y donde una voz en off va relatando la historia de este hijo de clase media, lector obseso de Rimbaud, que hubiese querido ser detective en vez de escritor. Todo ello se intercala con los testimonios de sus cercanos, quienes elaboran a lo largo de 40 minutos el verdadero universo del autor, ese creado con las pequeñas impresiones que cada uno de sus conocidos aún conservan de él.

"Tenía una mala leche formidable, un sentido del humor extraordinario, una gran ironía y, como todo gran polemista, era una persona a la que siempre le gustaba tener razón, aunque él continuamente cambiara de razones", afirma Villoro en una de las entrevistas.

"Tenía una mala leche formidable, un sentido del humor extraordinario, una gran ironía y, como todo gran polemista, era una persona a la que siempre le gustaba tener razón, aunque él continuamente cambiara de razones", afirma Villoro en una de las entrevistas.

El escritor llegó a Barcelona en 1977 proveniente de México -país al que se mudó junto a su familia a los 13 años- y es precisamente aquella etapa "española", la última de su vida, en la que se centra el documental y en el que según su director, se ve a un hombre amante de los libros en todos los ámbitos de su vida, a "un lector que escribe, una persona que tenía siempre y llevaba toda su biblioteca y sus libros al hombro, de ahí el efecto movilizador para muchos jóvenes, de sus libros. Lo que más me han dicho escritores jóvenes o jóvenes que quieren ser escritores es que leer a Bolaño les da ganas de escribir. Esa es la posteridad realmente".

A Bolaño... Saludos desde casa

Jorge Edwards

"Era un escritor muy notable, uno de los mejores de su generación. Me da una pena enorme; yo era uno de los pocos escritores chilenos con el que no se peleó. Tenía una relación especial con la poesía y sus relatos breves me parecen mejores. Era un escritor verdaderamente original, de una gran fantasía e imaginación. Yo lo estaba postulando para un premio que entrega en Francia Unión Latina. Es una lástima. El año pasado dije que merecía el Premio Nacional de Literatura y aún me lo parece".


Alberto Fuguet

"Lo admiré tanto como lo temí. Un personaje genial, tanto por su genio como por su mal genio. Pocos escritores nacionales han sido tan tan literarios. No lo conocí, pero si lo leí. Y lo pasé estupendamente bien leyéndolo. Siempre me impactó. Ojalá algún dia pueda piratear, sin que se note, algunos de sus relatos de Putas Asesinas. Su lazo con Chile era intenso y acaso enfermizo, pero de ese lazo surgieron obras notables. Notables. Sus cuentos me parecen catedrales. Ha sido el gran defensor de la memoria como materia prima y solo por eso le doy las gracias. Bolaño deja como legado que se puede escribir sobre cualquier cosa. Si uno lo piensa, en pocos años, menos de 10 quizás, construyó no sólo una obra redonda sino un personaje literario (de hecho, en la novela Soldado de Salamina, de Javier Cercas, quizás lo mejor es justamente el personaje de Bolaño). Para escribir novelas no hace falta imaginación -dijo Bolaño-. Sólo memoria. Las novelas se escriben combinando recuerdos. Uno de sus temas era el fracaso y, sin embargo, triunfó con lo suyo. Creó un mundo, una ética y una estética


Sergio Gómez

"Lo que más me gustaba de él es que abrió los ojos de los escritores chilenos, en dos sentidos. Primero, al quitarles el pecho de paloma que tienen, que se creen el ombligo del mundo, y no sólo por su forma de hablar, sino a través de una obra que está diciendo eso, que es mucho más planetaria y universal que localista. Y eso se siente sobre todo en sus cuentos, donde hay una alegría y un juego: puedo escribir de cualquier tema, puedo escribir sobre una pornostar y hacer un cuento precioso, un cuento sobre un diálogo de dos CNI y hacer un cuento precioso. Siento que haya muerto en su mejor momento".

Jaime Collyer

"Es una pérdida emblemática. Bolaño estaba ubicado en el número uno de esta larga lista que es la narrativa local. Abrió un camino que nadie más podía haber abierto. Siento que es una pérdida sin vuelta para la literatura; demasiado irreparable. Murió joven, como los románticos".


Poli Délano

"Lo conocí cuando llegué a México, el año '74. El estaba desde algunos meses antes y me buscó. Me fue a ver con otro chileno, Bruno Montané, de su misma edad, 19 años. Empezaron a frecuentarme; iban a comer, a hacer tertulia, tomarse una cerveza y así fuimos haciendo amistad. En ese tiempo Bolaño estaba involucrado en un grupo de poetas mexicanos que se hacían llamar infrarrealistas. El líder del grupo era un poeta mexicano, Mario Santiago, que era su gran amigo y a quien le dedica uno de sus libros. Santiago murió atropellado por un vehículo en México hace unos años. En ese tiempo, Roberto leía poemas sueltos, escritos por él, y eran muy buenos. Era también un provocador, como lo demostró cuando vino a Chile. En mi casa nos peleábamos porque él decía que la poesía de Neruda era una mierda. No sé si lo pensaba de verdad o lo decía sólo por provocar. Era un poeta talentoso. Conoció a mi hija Bárbara Délano y después, cuando ya se había ido a España, quise que presentara su libro, pero no se pudo. Era un escritor interesante y muy original, absolutamente talentoso".


Pía Barros

"Estoy impactada con su muerte. Le dio verdadera vida a la literatura chilena a través de sus dimes y diretes, de sus peleas, de sus polémicas frontales con otros escritores. Además de uno de los grandes narradores chilenos, era un excelente poeta. Su poesía debería empezar a rescatarse. Colaboró brillantemente en la revista La Castaña, que se editó en Chile en los '80 cuando era uno más de los exiliados. Preferiría pelear con Bolaño que enfrentar su muerte


Jorge Montealegre

"No me voy a referir a su narrativa que es más masiva. En su etapa de poeta desconocido en los '80, Enrique Lihn ya hablaba de él en el prólogo de la antología 16 Poetas, de Erwin Díaz. En esa época queríamos postularlo al Premio Neruda de poesía. También parte de su trabajo en la lírica se encuentra en otros libros como Entre la Lluvia y el Arcoiris, donde a modo de autopresentación, Bolaño hablaba de su experiencia como preso el 1973".

martes, 12 de agosto de 2008

MAC Quinta Normal abre gratis los domingos

Lugar: MAC Quinta Normal
Técnica: escultura, instalación, video
Fecha: hasta el 24 de agosto 2008
Horario: martes a sábado de 11:00 a 19:00 h. Domingos de 11:00 a 18:00
Entrada: liberada


Inscripción Visitas Guiadas: 9771751, guiasmac@uchile.cl, http://www.mac.uchile.cl/
Informaciones: 9771741, 9771746, 9771755, mac@uchile.cl


Como una forma de acrecentar el dinamismo del barrio cultural de Matucana, especialmente el que constituye el Circuito Cultural Santiago Poniente, el Museo de Arte Contemporáneo de Quinta Normal abre sus puertas gratuitamente los domingos.


“Es un esfuerzo que hacemos como museo con la intención de sumarse a las necesidades del barrio”- explica Juan Carlos Morales, Coordinador Económico y Administrativo del MAC- y agrega: “Creemos que estamos perdiendo un público importante por cobrar los domingos, aunque sean montos muy pequeños. Los domingos el MAC Quinta Normal es visitado por un público familiar que generalmente pasea por el barrio. Muchos de ellos desconocen el arte contemporáneo y queremos darles la oportunidad de acercarse a él gratuitamente. Si bien nos encantaría hacer lo mismo con el MAC Parque Forestal y extender la gratuidad a más días, actualmente nos es imposible por el costo que implica acoger a públicos masivos”.




Actualmente se pueden visitar dos exposiciones de la línea curatorial Zona de Riesgo que busca exponer las tendencias de lenguaje en los jóvenes talentos chilenos. Estas exposiciones son:






Una cosa por otra, Gráfika-off
Cierre: domingo 24 de agosto
Una máquina creada por Katerina Gutiérrez que utiliza el smog para crear obras bidimensionales, una nueva lectura de la lira popular en clave policial realizada por Boris Campos y una tensión al tema de la memoria a través de la monocopia de Héctor Sáez, son las propuestas de 3 artistas emergentes en la exposición, Una cosa por otra, Gráfika-off curada por Francisco Brugnoli

+selección
Cierre: domingo 24 de agosto
Con el objetivo de continuar la difusión de las tendencias del arte contemporáneo nacional, el MAC exhibe la selección de los proyectos destacados que varios artistas postularon durante el 2007. Son trabajos de diversas disciplinas realizados por cinco artistas chilenos: Isabel Motta, Norma Ramírez, Paula Fuentes, Cynthia Marinkovic, y Jaime Vial. Fuente: MAC Quinta Normal

lunes, 11 de agosto de 2008

Alejandro Jodorowsky: “La vida es un milagro continuo"



Alejandro Jodorowsy Prullansky, chileno, nacido en 1929, es sin lugar a dudas uno de los artistas más lúcidos y universales que ha producido la literatura y el arte chileno en general. Va por el mundo con su cabellera platinada y su aura de maestro, con su positivismo contagiante, pero, sobre todo, con una humildad tan honesta como sabia


Es un chileno reconocido internacionalmente, pero muchos compatriotas suyos no lo conocen, evidentemente tiene ya su buena cuota de edad, pero según una reciente edición de la revista Uno Mismo, “no es viejo”. En esa misma revista se afirma que él se declara ni de izquierda, ni de derecha, sino “de extremo centro”.
Lo que pasa es que nada es predecible o fácil de poner en moldes comunes cuando hablamos de Alejandro Jodorowsky, poeta, narrador, cineasta, filósofo, dibujante, guionista, actor mimo, relator de cursos de creatividad, tarotista y últimamente psicomago. Gurú desde siempre. Su palabra fácil, su gesto amable, su humor irrenunciable y sus profundas ideas espirituales producto de la fusión de búsquedas y encuentros múltiples con otros espíritus tan abiertos como el suyo, hacen de él un personaje admirado profundamente por quienes lo leen o lo escuchan. Sin lugar a dudas élites intelectuales o espirituales, si se quiere, pero no la gran masa que lo ignora, aunque de seguro caería rendida a sus pies si se lo encontraran en una esquina de la plaza leyendo gratis el tarot a decenas de personas, como suele hacerlo en París.
Respecto de sus búsquedas y encuentros, consultado por Marcelo Padilla responde con un perfecto kohan zen: “Unos vienen, otros van, yo soy una piedra en el camino” y se explaya en ideas relativas a la eterna permanencia del ser, encarnado o desencarnado y a lo que él llama “Permanente Impermanencia”.
Un tema que cruza todas sus múltiples inquietudes es la omnipresente intención de encontrar fórmulas para transmitir mensajes plenos de optimismo, es su forma de mantenerse atento, con los ojos bien abiertos, con la lámpara de la conciencia brillando más que nunca, como si él mismo encarnara el noveno arcano del Tarot, pero se apresura a aclarar que antes quería ser maestro, pero ahora se conforma “con seguir siendo alumno
Pero eso no es verdad, es un Maestro y lo ha sido en cada una de las actividades que ha emprendido, actualmente busca por todos los medios a su alcance demostrar la permanente presencia de los milagros en la vida y nos aclara taxativo que lo importante no es “aprender a hacer milagros, sino que aprender a verlos”. Lo que no constituye la declaración pasiva de un sujeto sobre quien obran las tendencias fatales del destino, sino la activa búsqueda del asombro y del reconocimiento de la vida que, para él, es un milagro continuo.
Hace algún tiempo atrás, Marcela Fernández, del suplemento cultural argentino Ñ del diario El Clarín, lo entrevistó en una de sus visitas a Buenos Aires y le consultó respecto de sus inquietudes sociales y de la posibilidad de volcarlas en la arena política. Genio y figura, Jodorowski responde con palabras de antología: “Yo no creo en la revolución política, yo creo en la re-evolución poética. La poesía salvará al mundo, es decir, la belleza, porque todos los problemas son por fealdad. Ya no hay problemas nacionales. Es un todo interconectado. La política es fea, la economía es fea, la arquitectura es fea. Hemos perdido la meta que es la belleza. El hombre no puede alcanzar la verdad, pero puede alcanzar su resplandor que es la belleza. Es feo hacer sufrir a alguien, es feo que la gente se muera de hambre, es feo que alguien tenga el poder en esa forma, es feo que los hombres estén separados de las mujeres y las aplasten, es feo que haya guerras, es feo que las religiones se peleen entre ellas. Es feo que haya un papa soltero, viejo, pudriéndose sin una mujer, o que el Dalai Lama cobre para venir a dar sus conferencias. ¿Por qué pagarle a un tibetano que dice lugares comunes? Estoy escandalizado. Es feo que la gente se ande uniformando, los soldados son feísimos. Es feo que haya animales encerrados en un zoológico, es feo que estén matando a las especies, es feo que estén envenenando el planeta, el petróleo es feo”. A esta lista potente y apabullante, Jodorowsky agrega que “la belleza no es una definición conceptual, sino algo que se siente. Llamar bello a todo lo que es útil para la sobrevivencia equilibrada de la vida, del mundo. Si este edificio me enferma, es feo; si me da salud, es bello. Si un árbol que tú piensas que es bello tiene un fruto que envenena, en realidad es feo. Un árbol torcido que tiene frutos que te alimentan bien, es bello”.
Toda su literatura y su obra artística trasunta esta forma limpia, aunque no simple, de ver la vida, de un optimismo desbordante, pero que no pierde la capacidad de vincularse con lo práctico de la vida, un breve poema suyo dice: “No es lo que será / no es lo que fue / no es lo que quiero / es lo que es”.


Como Nietzsche perdió la razón

"Uno de los documentos más conmovedores del espíritu humano". Con estas palabras calificó el escritor austríaco Stefan Zweig las cartas que la madre de Friedrich Nietzsche (1844-1900) escribió al matrimonio Overbeck.
En ellas, una anciana Franziska Nietzsche da cuenta de cómo evolucionó hacia la locura la mente de su hijo, considerado uno de los pilares del pensamiento contemporáneo.
Más de un siglo después de la última epistolar, "Mi melancólica alegría", de la editorial Siete Mares, llega ahora a las librerías con esas 60 cartas de gran valor documental, la mayoría inéditas en castellano y publicadas por primera vez como libro
"En las horas del crepúsculo, cuando la oscuridad suele ser tanta que ni siquiera nos vemos, realizo una especie de ejercicio de memoria. Por ejemplo, le pregunto por Epicuro, Aristóteles, 'cuénteme quién fue (...)'. Y me cuenta cosas durante una hora (...), de tal manera que siempre lamento que no lo escuche ninguna persona culta y erudita que pudiera replicarle de manera análoga" (5/10/1890).

"Me afecta mucho (leer "Así habló Zaratustra") en la medida en que los cimientos de nuestras creencias se tambalean, y al final, incluso, podría resentirse el amor que siento hacia un caballero tan querido y un hijo tan amado"

Este extracto de una de las cartas refleja la hazaña materna, la de una madre de poco bagaje cultural y fuerte convicción religiosa que no sólo dedicó sus últimos ocho años de vida al cuidado de su hijo sino que decidió leer, por primera vez a sus 70 años, su obra completa.
El inicio de la correspondencia coincide con el primer episodio del viaje hacia la demencia de Nietzsche. Fue a finales de 1888, cuando el filósofo sufrió en Turín una crisis nerviosa de la que ya no logró recuperarse.
Diagnosticado con parálisis cerebral progresiva, en 1889 fue trasladado hacia Basilea, Suiza, por su buen amigo Franz Overbeck, donde Franziska fue a recogerlo para internarlo en una clínica psiquiátrica de Jena.
Las cartas, dirigidas al profesor Overbeck y su esposa, Ida, empiezan con ese viaje desde Basilea, continúan con el traslado de "Fritz" a la casa familiar de Naumburgo y se prolongan hasta pocos días antes de la muerte de la madre, en 1897.

El testimonio se adentra en la dura vida cotidiana de ambos, los problemas económicos que atravesaron y el progresivo deterioro del autor de "Así habló Zaratustra".

"Alabado sea Dios sólo por haberme permitido hasta ahora prodigar los cuidados a mi hijo (...)."
Él sigue siendo mi melancólica alegría
Franziska Nietzsche

Franziska cuenta como, para una mujer de arraigadas creencias religiosas, afrontar la lectura de Zaratustra no resultó fácil. "Me afecta mucho, en la medida en que los cimientos de nuestras creencias se tambalean, y al final, incluso, podría resentirse el amor que siento hacia un caballero tan querido y un hijo tan amado" (15/04/1891)
La correspondencia también rebela la suerte que corrió la obra inédita del filósofo y las maniobras para manipular su legado por parte de su hermana Elizabeth, quien se encargaría de relacionar a Nietzsche con los nazis y de exhibirlo en público, tras la muerte de su madre, cuando ya no era capaz de reconocer a nadie.
Si bien el interés documental de lo narrado es incuestionable, las cartas son un reflejo de la entrega de una madre a la atención continua de su hijo enfermo
Como ella misma escribe en julio de 1896: "Alabado sea Dios sólo por haberme permitido hasta ahora prodigar los cuidados a mi hijo (...). Él sigue siendo mi melancólica alegría

Gran Gala Celta en La Reina


Lugar: Teatro Centro Cultural de La Reina (Santa Rita Nº 1153 esq. Echeñique)
Fecha: sábado 24 de mayo, sábado 30 de agosto y 29 de noviembre 2008 Horario: 20:30 hrs.
Entrada: $3.000 general, $2.500 Tercera edad y estudiantes
Informaciones: 277 62 14 - 227 70 23,


Nos acompañarán la agrupación nacional "Clochan Loach", quienes nos ofrecerán un recorrido, a través de la música y danza, por los poéticos y ancentrales paisajes de la cultura celta. Conjuntamente, el grupo de danza "Tracatatap" realizará un espectáculo basado en danzas irlandesas, zapateo irlandés y softshoes. Invitado especial será Gonzalo Quezada, gaitero escocés, quien nos deleitará con lo mejor de las melodías de las tierras altas de Escocia. Desde Concepción, el conjunto musical "La Eringo" nos presentará un repertorio de temas irlandeses además de un cancionero celta con arreglos propios.

Colectiva en el Museo de Arte Contemporáneo






Expositor: Cécile Boucher, José Mansilla-Miranda, Matilde Marín, Silvia Rivas, Teresa Gazitúa, Mario Fonseca Lugar: MAC Parque Forestal (Parque Forestal s/n, Metro Bellas Artes) Técnica: fotografías, instalaciones, videos Fecha: hasta el 24 de agosto 2008Horario: martes a sábado de 11:00 a 19:00 hrs., domingo de 11:00 a 18:00 hrs.Entrada: $600 general, $400 tercera edad y estudiantes, Estudiantes U. de Chile, Socios Corporación Amigos de MAC: gratis



La presencia del río, como eje geográfico y cultural, es el común denominador de fotografías, videos e instalaciones, realizados por seis artistas que viven en los extremos de América: Canadá, Chile y Argentina. La curatoría de Mario Fonseca reúne seis miradas que ponen el foco en el paisaje y el territorio, en una exposición itinerante cuya primera parada fue Ottawa y posteriormente será Buenos Aires.






La exposición 636 – Seis ríos Tres países Seis artistas ha sido concebida a partir de la coincidencia de intereses en la naturaleza, el paisaje y el territorio de seis artistas que viven y trabajan en los dos extremos de América, Canadá por el norte y Argentina y Chile por el sur. Un elemento emblemático de estos parámetros geográficos y culturales es el río, tanto como alimento indispensable del entorno y sus habitantes, y vía de desplazamiento, como por su interpretación inmemorial como metáfora de la vida. A través de las seis miradas de los artistas, provenientes de distintas disciplinas y ejecutores de medios y lenguajes diversos, el río es recorrido indistintamente en sus perspectivas naturalista, mística, histórica, política, ecológica y poética.

Los ríos son abordados por los artistas a partir de vivencias esenciales en las que han sido protagonistas o testigos de los acontecimientos que relatan en sus metáforas visuales. Las obras se refieren así a los cambios que estos seis ríos devienen o suscitan en los autores. El Maipo (Gazitúa) cambia día a día por la influencia de las estaciones, tal como el Rivadavia (Marín) no ha cambiado siglo a siglo por la ausencia de influencia humana; el Río de La Plata (Rivas) arrastra en su ancha corriente los cambios dramáticos que han atestiguado sus aguas y riberas, mientras el río Cruces (Fonseca) declina las tres primeras personas del verbo morir tal como podría declinar –a cambio– las del verbo vivir; la cartografía del Ottawa (Boucher), en fin, describe una geografía humana construida en el tiempo a través de muchas vidas en permanente cambio, en tanto la del río Snake (Mansilla-Miranda) evoca el cambio a una nueva vida tras la inminencia de la muerte.



Esta exposición –para John K. Grande, escritor y crítico de arte especializado en arte y naturaleza– ha ofrecido un extraño intercambio a seis artistas cuyas preocupaciones sobre la contaminación, la destrucción, y sus visiones de la historia de la naturaleza y de la humanidad –yuxtapuestas como estaban– han hecho evidente la universalidad de los desafíos medioambientales, históricos y políticos que enfrentamos ahora sobre los recursos del agua y los ríos. Los artistas participantes en esta muestra nos permiten darnos cuenta de las muchas formas en que el paisaje está siendo transformado, redirigido, cambiado por la actividad humana y nos presentan, a su vez, el contexto continuo de la naturaleza y la preeminencia medioambiental
Para la teórica y curadora argentina Micaela Patania, la muestra refleja un acercamiento a la naturaleza desde experiencias personales en las que los artistas combinan la admiración con la contemplación y la reflexión. No se trata de revisiones del paisaje, sino de lo humano y lo natural como condición de nuestra época. Los ríos no son sólo elementos susceptibles de la creación, sino realidades repensadas por quienes de alguna manera son conscientes de sí mismos como parte del ecosistema y contemplan un río como parte de la vida.
Las obras que componen la muestra provienen esencialmente de la exposición previa Six artistes Six rivières Trois pays realizada entre octubre y diciembre de 2007 en la galería L'Imagier de Gatineau, Québec, si bien han evolucionado o han sido modificadas para la exposición del MAC Parque Forestal, de Santiago. Posteriormente, esta muestra seguirá a Buenos Aires
Cécile BoucherArtista canadiense que vive y trabaja en Gatineau, Québec; con una destacada trayectoria como grabadora, viene incursionando en los últimos años en las técnicas digitales. Su trabajo, titulado Agua bajo el puente, consiste en cinco dípticos de dos piezas de 200 x 80 cm cada uno, a través de los cuales recorre el río Ottawa incorporando a diez personajes representativos de las identidades que han convergido en sus puentes sociales, culturales y políticos. "Construcción para franquear los obstáculos naturales, para aminorar las distancias, para asegurar las comunicaciones y el transporte de mercancías, el puente ofrece a la vez una solución técnica y una obra de arte (...) puede representar los vínculos que se establecen entre comunidades de interés, o lo que uno corta o quema detrás de sí"
José Mansilla-MirandaNacido en Puerto Montt, emigró a Canadá en 1979, siendo en la actualidad ciudadano canadiense que reside y trabaja en Ottawa. Su obra, principalmente pictórica, alude a las culturas originarias cuyos rituales pueden ser un paliativo de los conflictos de la civilización actual. El tríptico Terra Sacra, en que cada pintura cargada de claves y simbolismos mide 122 x 183 cm, es una reflexión visual a la vez que una cartografía de vida, donde codifica distintas escenas del recorrido del río Snake que efectuó en 2003 y en el cual su balsa volcó. "Desperté de la inconciencia ahogándome. La voz de la anciana Liz Hansen de la nación Gwich'In ha resonado en mi memoria hasta el presente: '¡Ahora tienes una nueva vida!' fueron las primeras palabras que escuché cuando el río me devolvió a la orilla".
Matilde MarínArtista visual argentina que reside y trabaja en Buenos Aires, cuya importante trayectoria se inició con la escultura, para seguir posteriormente con el grabado experimental y evolucionar finalmente hacia la fotografía, el video y la instalación. El contenido de su obra ha transitado del cuerpo al paisaje, de sus manos o su silueta hacia los amplios horizontes patagónicos. En Río frío, un políptico de nueve imágenes, cada una de 60 x 60 cm, pone en sutil movimiento el flujo cristalino del río Rivadavia, un río preservado que corre entre dos lagos en la Patagonia austral, presentándolo simultáneamente en un video de cuatro minutos, donde todo el protagonismo sucede bajo el agua. "Trabajo una metáfora sobre la memoria, sobre un espacio que aún mantiene intacta la memoria de la naturaleza".
Silvia RivasArtista visual argentina que vive y trabaja en Buenos Aires; formada en el dibujo y la escultura, su premiada trayectoria está centrada actualmente en la video-instalación y las nuevas tecnologías. Concierta su obra indagando en la doble naturaleza de las cosas, donde el material y el soporte integran el contenido. En Paisaje por definir, constituida por un díptico en video de tres minutos y fotografías complementarias de 60 x 150 cm, presenta al Río de La Plata como superficie a la vez que escenario. "Un paisaje de atracción y albergue o, luego, de peligro y rechazo (...). Llanura mitad tierra, mitad agua, manto triste que cubre nombres y borronea las huellas de un campo de batalla, y manto fértil que dio más de lo esperado. Hogar templado donde a veces se hace difícil sentirse en casa".
Teresa Gazitúa Multifacética artista visual chilena que vive y trabaja en Pirque; por largo tiempo grabadora, ha incursionado en la última década en obras con volumen, instalaciones, fotografía y video. Su trabajo de incisión evolucionó del grabado a las marcas de sus manos, y de allí a las huellas que traza sobre piedras encontradas, principalmente en el río Maipo, para integrarse paulatinamente al gran paisaje. Sus dos trabajos surgen de la frase de Heráclito "Nadie baja dos veces a las aguas del mismo río", que ella replica con la serie de nueve fotografías de 30 x 30 cm. Bajé nueve veces a las aguas del mismo río Maipo, y la secuencia de catorce imágenes Bajé catorce veces a las aguas del mismo río Maipo, proyectada sobre el suelo.
Mario Fonseca Artista visual de nacionalidad chilena nacido en Lima y residente en Santiago, donde ha trabajado esencialmente con la fotografía. En su obra el paisaje y la naturaleza han ejercido un protagonismo constante, cuya fragilidad ante la intervención humana está siempre latente a través de la mirada intrusa del autor. Dando un giro más explícito y ocupando esta vez fotografías de terceros, la obra Yo muero Tú mueres Ella muere, compuesta por tres cajas de luz y tres cajas de agua con fotografías de 60 x 60 cm cada una, aborda la muerte de cisnes de cuello negro en el río Cruces por la contaminación producida por una planta de celulosa, enunciando la cadena ecológica desde la sencillez escolar, a la vez que proyectándola a los conflictos del desarrollo contemporáneo
Textos y documental La exposición 636 – Seis ríos Tres países Seis artistas cuenta con dos textos complementarios, uno introductorio de la curadora independiente argentina Micaela Patania y otro analítico del crítico y autor canadiense John Grande, quien aborda por separado la obra de cada artista. Asimismo, la muestra incluye la emisión del premiado documental Three Rivers: wild waters, sacred places (Tres ríos: aguas salvajes, sitios sagrados) del cineasta canadiense Marten Berkman, quien registró el recorrido que efectuaron en 2003 un grupo de artistas y escritores por los ríos Snake, Wind y Bonnet Plume, y sus contactos con las comunidades indígenas de estos vastos territorios del norte canadiense. Fue en este viaje donde la balsa del artista José Mansilla-Miranda se volcó en unos rápidos y estuvo a punto de ahogarse.

Centenario de Salvador Allende en el Centro Cultural Palacio La Moneda / Homenaje y Memoria



Lugar: Centro Cultural Palacio La Moneda, Nivel -3 (Plaza de la Ciudadanía 26, Santiago, Chile. Metro estación Moneda)Técnica: escultura, fotografía, grabado, instalación, pintura, técnica mixtaFecha: 26 de junio al 20 de agosto 2008Horario: martes a domingo de 10:00 a 19:30 hrs. Entrada: liberada entre 10:00 y 13:30 hrs., después de las 13:30 hrs. $600 general, $300 estudiantes, 3ª edad y convenios, niños menores de 5 años gratis




Obras de artistas internacionales tan connotados como Joan Miró, Alexander Calder, Frank Stella, Eduardo Chillida, Victor Vasarely, David Alfaro Siqueiros, Francisco Moreno Galván, Antoni Tapies, Joan Brossa, además de chilenos como Roberto Matta, Roser Bru, Guillermo Núnez y José Balmes, podrán ser apreciadas por el público en la muestra Homenaje y Memoria, obras del Museo de la Solidaridad Salvador Allende, que se presenta en el Centro Cultural Palacio La Moneda entre el 26 de junio y el 20 de agosto, en el marco de la celebración del Centenario del ex -presidente. La muestra exhibe una colección de arte contemporáneo de primer nivel, con obras donadas a Chile por artistas de todo el mundo, en apoyo al proyecto socialista que Allende liderara.

Joaquín de Luz lidera la llegada del ballet de Nueva York a Madrid

Joaquín de Luz es uno de los bailarines españoles que se ha abierto paso como figura internacional de la danza y que regresa por segundo verano consecutivo a casa, esta vez acompañado por solistas del New York City Ballet -compañía de la que es bailarín principal- y con un estreno en España, Fancy Free. "Los bailarines españoles aportamos en pequeñas dosis la garra del flamenco que llevamos en nuestras raíces", afirma el artista madrileño, quien comenzó su "meteórica" trayectoria con Víctor Ullate, junto a Tamara Rojo o Ángel Corella, y que tras ser solista en el Ballet de Pensilvania, estuvo en el American Ballet Theatre hasta 2003, año en el que ingresó en el New York City Ballet, del que es ahora bailarín principal.

En el New York City Ballet, Joaquín de Luz buscaba un nuevo "reto" como "persona inquieta" que dice ser, y parece haberlo encontrado en una ciudad "impresionante", en la que vivir es una "aventura", en la que siempre hay "millones de cosas que hacer" y que es única para la danza, según explica en una entrevista con motivo de su actuación en Madrid el 12 y 13 de agosto, dentro del festival los Veranos de la Villa.

Tras su paso por Gijón con este mismo espectáculo, Joaquín de Luz se muestra encantado, porque "bailar en casa y ante tu gente es incomparable", algo que, hasta el verano pasado, no hacía desde hacía ocho o nueve años. Los compromisos de una activa compañía le impiden prodigarse más, pero va "a intentar por todo los medios" ajustar la agenda para participar en el homenaje a Víctor Ullate, que tendrá lugar en septiembre en el Teatro Real con motivo del 20 aniversario de su compañía. "Es justo y merecido", recalca su antiguo alumno.

Se siente en un "momento buenísimo", porque ahora "baila de manera más inteligente, buscando su propio estilo y su firma", prosigue el artista, quien siente que en España "cada año la gente está más interesada" por la danza. Se muestra esperanzado con la compañía que ha creado Ángel Corella y otras iniciativas. "Falta el último empujoncito", señala De Luz, quien confiesa que no tiene previsto poner en marcha un proyecto similar, pero que no oculta que le gustaría volver a España, donde cree que al público hay que ofrecerle "calidad".

Por eso insiste en que ha seleccionado con esmero el programa que bailará mañana y pasado en el Patio Central del Conde Duque, y que comienza con un homenaje a los creadores y grandes coreógrafos del New York City Ballet: Balanchine, Petipa y Jerome Robbins. De Balanchine presenta Apolo, una de sus piezas más importantes con música de Stravinsky, Stars and Stripes y el pas a deux de Agón, es decir la parte más vanguardista y la más clásica del gran fundador e inspirador del New York City Ballet

De Petipa baila un pas a deux de Don Quijote, con el bailarín Tiler Peck, y para terminar Joaquín de Luz ha conseguido los derechos de Fancy Free, una coreografía de Jerome Robbins con música de Bernstein, el embrión de West Side Story, que el bailarín español cree que va a encantar al público por su sabor inconfundible a Broadway.

SFDK crea una línea de ropa

El conjunto de hip-hop sevillano SFDK (Siempre Fuertes De Konciencia) presentará su propia colección de ropa para la temporada otoño-invierno 2008 bajo el nombre Lealty Brand, que estará disponible en varias tiendas del territorio nacional, ha informado la propia agencia de contratación del grupo.

Esta línea de ropa, inspirada en la estética del movimiento hip-hop, ha sido creada debido a la "escasez" de marcas de ropa de hip-hop en España. Se trata, según el grupo SFDK, de un estilo que "ha traspasado fronteras y que actualmente es el signo de identidad de millones de jóvenes en todo el mundo".

La colección estará disponible a partir de septiembre de este año. El grupo ha abierto también un espacio en Internet (www.lealty.es), donde se recoge información sobre la localización de las tiendas que ofrecerán esa ropa, noticias y datos de contacto

El grupo Siempre Fuertes de Konciencia, actualmente integrado por Saturnino Rey (Zatu) y Óscar Sánchez (Acción Sánchez), comenzó su carrera en 1993 y desde 1999 han presentado un total de cinco discos.

De Bengala a Soria, tras los pasos de Machado

Un joven indio de 30 años, Subhransu Banerjee, ha recibido la beca Antonio Machado que le permitirá pasar un año en Soria para escribir una obra literaria basada en los mismos lugares en el que el poeta sevillano se inspiró para escribir la obra Campos de Castilla. El joven indio, que comenzó a publicar poesía en 1997 en revistas especializadas de origen bengalí, sustituye al poeta chino Hu Xudong, que recibió la beca en un primer momento pero la ha rechazado por motivos personales, según ha explicado hoy la Comisión Nacional de la Celebración de la Llegada a Soria de Antonio Machado. Banerjee es traductor de español aunque está licenciado en Biología por la Universidad de Calcuta (India).

Ha publicado tres libros de poesía desde el año 2000 hasta el año 2006 y ensayos desde 1999: uno sobre la biografía del poeta chileno Pablo Neruda, y varios en algunas revistas de las "más importantes de India" comoShaluk o Dainik Sambad. Además fundó la revista de poesía Podyocharcha, que ha sido un referente para los jóvenes poetas bengalíes, y formó un grupo poético. El joven ha traducido diversas obras literarias de poetas de la Generación del 27 como Rafael Alberti y Vicente Aleixandre, y la primera versión de El Quijote en cómics bengalíes. También en 2008 ha traducido al bengalí la novela El jardín de las flores olvidadas, de Marifé Santiago Bolaños.

Banerjee ha participado en varias conferencias sobre poesía entre las que destacan la World Shakespeare Conference, en 2007, el Encuentro de Escritores: Indio- Hispano América, en 2008, y este mismo año estuvo en la prestigiosa Nibhrito Kobita path, una lectura de poemas representativos de los años noventa del siglo XX. El joven traductor ha recibido otras becas como la Ruy Clavijo, en 2007, de la Casa de Asia en España y ha sido finalista del Premio Nacional de Jóvenes Escritores de la India Sanskriti Awards for Literature. Banerjee ya se ha instalado en Soria y próximamente será presentado de manera oficial.

La Beca Antonio Machado es un acto de homenaje al poeta sevillano que la Comisión Nacional para la Celebración del Centenario de su Llegada a Soria ha puesto en marcha para que un joven poeta extranjero venga a Soria cada año a escribir un libro

Gubern: "El cine nace de la fusión de la novela y el teatro"

El catedrático de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Barcelona, Román Gubern, ha afirmado hoy que "el cine ha nacido de una fusión entre las estructuras narrativas de la novela y la acción dialogada del teatro". "El cine es heredero de la novela, pero también es espectáculo, por lo que debe mucho al teatro", ha defendido Gubern en un curso sobre Cine y Literatura. La Conjura de El Escorial, que organiza la Universidad Complutense de Madrid en San Lorenzo de El Escorial con motivo del estreno de la película del mismo título de Antonio del Real

Con una conferencia titulada Dos lenguajes ensamblados, Gubern se ha encargado de analizar los elementos comunes entre estas tres disciplinas artísticas y ha puesto como ejemplo a varios literatos de prestigio, como Faulkner, Hemingway o John Dos Passos, que "antes que escritores fueron espectadores de cine". Gubern ha señalado que "el cine tomó muchas figuras literarias", como la sinécdoque -usar la parte por el todo- y la metáfora, además de varios recursos propios de la novela, como la acción paralela, las estructuras de temporalidad, y las narraciones en primera o tercera persona y monólogos. El primer plano se corresponde, para Gubern, con la sinécdoqu

"Si un director quiere mostrar que a la heroína le cae una lágrima, se hace un primer plano", dice el catalán, quien ilustra con una película clásica a lo que se refiere al hablar de metáforas cinematográficas

Cuando en De aquí a la eternidad (Fred Zinnemann, 1953) Burt Lancaster se da un revolcón en la playa con Deborah Kerr, la cámara se aleja púdicamente y se enfocan las olas rompiendo", recordaba entre risas el catedrático. El cine también "comparte con la novela las estructuras de temporalidad: tiempo consecutivo, elipsis, tiempo simultáneo, flashbacks, flashforwards...", ha apuntado.

A pesar de todas las similitudes, Gubern ha dejado claro que la literatura y el cine no tienen porqué tener siempre el mismo lenguaje. "Las grandes novelas que alcanzaron la excelencia estética en su género son inferiores en el cine", afirma, mientras que "de novelitas de kiosco pueden salir grandes películas"

Gubern: "El cine nace de la fusión de la novela y el teatro"

El catedrático de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Barcelona, Román Gubern, ha afirmado hoy que "el cine ha nacido de una fusión entre las estructuras narrativas de la novela y la acción dialogada del teatro". "El cine es heredero de la novela, pero también es espectáculo, por lo que debe mucho al teatro", ha defendido Gubern en un curso sobre Cine y Literatura. La Conjura de El Escorial, que organiza la Universidad Complutense de Madrid en San Lorenzo de El Escorial con motivo del estreno de la película del mismo título de Antonio del Real


Con una conferencia titulada Dos lenguajes ensamblados, Gubern se ha encargado de analizar los elementos comunes entre estas tres disciplinas artísticas y ha puesto como ejemplo a varios literatos de prestigio, como Faulkner, Hemingway o John Dos Passos, que "antes que escritores fueron espectadores de cine". Gubern ha señalado que "el cine tomó muchas figuras literarias", como la sinécdoque -usar la parte por el todo- y la metáfora, además de varios recursos propios de la novela, como la acción paralela, las estructuras de temporalidad, y las narraciones en primera o tercera persona y monólogos. El primer plano se corresponde, para Gubern, con la sinécdoqu


"Si un director quiere mostrar que a la heroína le cae una lágrima, se hace un primer plano", dice el catalán, quien ilustra con una película clásica a lo que se refiere al hablar de metáforas cinematográficas


Cuando en De aquí a la eternidad (Fred Zinnemann, 1953) Burt Lancaster se da un revolcón en la playa con Deborah Kerr, la cámara se aleja púdicamente y se enfocan las olas rompiendo", recordaba entre risas el catedrático. El cine también "comparte con la novela las estructuras de temporalidad: tiempo consecutivo, elipsis, tiempo simultáneo, flashbacks, flashforwards...", ha apuntado.


A pesar de todas las similitudes, Gubern ha dejado claro que la literatura y el cine no tienen porqué tener siempre el mismo lenguaje. "Las grandes novelas que alcanzaron la excelencia estética en su género son inferiores en el cine", afirma, mientras que "de novelitas de kiosco pueden salir grandes películas"

La naturaleza constructiva que alienta en la producción pictórica de Pedro Calapez convive con las manifestaciones ensoñadoras de una creación que se

El Medio es el Museo es un proyecto expositivo del MARCO de Vigo compuesto de diferentes tipos de trabajos que abordan el museo o la institución como soporte y referente de las obras de arte. Es un análisis del contenedor, no del continente. En el mismo, se analizan los cambios que ha sufrido el propio concepto de museo, pero, también se detiene en la actitud de los artistas frente a la institución. En el mismo proyecto se dan cita artistas como Sergio Prego, Lara Almarcegui o Thomas Struth, entro otros.

El Medio es el Museo es un proyecto expositivo compuesto de diferentes tipos de trabajos que abordan el museo o la institución como soporte y referente de las obras de arte. Es un análisis del contenedor, no del continente. En el mismo, se analizan los cambios que han tenido lugar —especialmente en los últimos años, donde irrumpe con fuerza la red— las funciones y en el propio concepto de museo, pero también en la actitud de los artistas, en los usos sociales y formas de comportamiento, y en las contaminaciones entre diversas disciplinas artísticas. La intención de este proyecto es reflexionar sobre el museo entendido como medio y material, pero también como un sistema de convenciones históricamente establecidas en un lenguaje concreto, con el objetivo de mostrar cómo las acciones formales e ideológicas de los artistas en el mismo interpretan y cuestionan las nuevas condiciones dando lugar a importantes controversias.

Como señala el comisario, Pablo Fanego, las funciones del museo se han visto recientemente alteradas de forma drástica, hasta el punto de que a veces se habla de su ‘crisis’. El complicado tránsito a la década de los noventa, junto con la espectacular introducción de las nuevas tecnologías, los museos como tal, así como otro tipo de instituciones artísticas, han visto aumentar sus tareas. En la actualidad, además de coleccionar y exhibir obras de arte, tienen que ser lugares de encuentro, restaurantes, librerías y hasta pasarelas de moda (¿MUSAC?). Los museos han ganado una densa complejidad con el avance de los años. Sirven, además, como recursos para el marketing de las ciudades a nivel global, para la construcción de una identidad nacional o para la especulación inmobiliaria. El 'efecto museo' es más que notable incluso en programas electorales. En este contexto, se ha convertido en el edificio emblemático del siglo XXI, al igual que lo fueron las catedrales en la Edad Media

La muestra, en definitiva, reúne propuestas de veinte artistas que tienen en común su actitud hacia el museo, no como contenedor o exhibidor de obras de arte, sino como lugar de acción y experiencia, como ‘medio’, en relación directa con el espacio y el contexto en el que la obra tiene lugar. A la hora de seleccionar las obras y de invitar a estos artistas a trabajar en el contexto específico del MARCO, y en la ciudad de Vigo, se refuerza la intención de concebir el museo como lugar de proyección de uno mismo. No es casualidad que todas las piezas presentes en esta muestra tengan que ver con la escala humana, con la corporeidad, con el encuentro y relación de la persona —sea el artista o el espectador— con el espacio en el que se ubica la obra



Una aproximación a la obra de Pedro Calapez

Pedro Calapez (Lisboa, 1953) ocupa un prominente papel en el seno de la escena artística portuguesa contemporánea, particularmente en un campo como el pictórico en el que las grandes autoridades de su país, celebradas durante las últimas décadas internacionalmente, muestran en la actualidad signos de agotamiento
Existe en la obra pictórica de Calapez un hondo sentido terrenal: su pintura es aplicada de modo denso, espeso, estratificado. Su referencia fundamental se dirige al paisaje y, finalmente, su obra última cobra un sentido geográfico, tanto en un significado físico, a través de una configuración que le relaciona con las placas tectónicas terrestres, como en una acepción política, mediante una apariencia que puede asemejarse a la de banderas ondeantes
Los intereses de Pedro Calapez le han movido a lo largo de las tres décadas de su actividad artística a elaborar diferentes propuestas plásticas, pictóricas y escultóricas que participan de un sentido de instalación. Su pintura, para cuya configuración técnica y formal emplea habitualmente diversos soportes distantes, paralelepípedos realizados industrialmente, fundamentalmente de aluminio (o bien cerrado o bien hueco) -aunque ha abordado su producción en otros materiales, como la madera conglomerada (MDF) que dispone de modo reticular y presentando intersticios a diferentes alturas-, se manifiesta mediante dos estrategias centrales
En primer lugar, puede señalarse en el conjunto de la obra pictórica de Calapez la presencia de series de obras que, presentadas a cierta distancia las unas de las otras, organizan composiciones de un campo de color plano sobre el que se dispone una trama de grueso contorno de un color que contrasta sensiblemente sobre el fondo. Los temas más caros a esta práctica los constituyen los paisajes y las arquitecturas, en ambos casos, desprovistos de figuras humanas y animales. Si el contraste entre fondo y línea es contundente, la lectura de los objetos no resulta, en muchas ocasiones, y como cabría esperar, nítida. La trama que podría ser denominada como dibujo se ofrece farragosa, se manifiesta en meandros, con un manifiesto horror vacui que ha conducido al autor a duplicar los contornos, como en una visión doble, o a simultanear imágenes, como si se tratara de un palimpsesto en el que se hace difícil discernir qué parte es la tachada y cuál la última en ser mostrada, cuál estaba originalmente allí y aquélla que ha querido eliminarla.
En un segundo grupo de trabajos, Calapez procede a la elaboración de obras de carácter no figurativo mediante amplios campos de color que se relacionan lúbricamente. En su producción pictórica última, y que ha sido recopilada recientemente en una publicación titulada Abstract (Lisboa, MPPC, 2008), Pedro Calapez ha investigado nuevos soportes o distintas vías de disponer estos mismos módulos. A la presencia de paralelepípedos regulares compactos que le ocupara intensivamente desde finales de la década de los noventa del pasado siglo, Calapez ha incorporado diversas soluciones técnicas. Quizá la más destacada, si bien no la única, sea la aparición de planchas de aluminio que presentan tres caras visibles, una frontal (y única que recibe tratamiento pictórico) y dos laterales. En todos los casos, estas caras laterales, mediante las cuales la pintura se une a la pared, son planas. Sin embargo, la altura, el relieve de la capa pictórica respecto a la pared varía en las diferentes planchas de aluminio que Calapez emplea. Y esta solución hueca ha permitido a Calapez conseguir dos efectos inéditos en su trabajo anterior. Por su carácter más liviano, la profundidad o resalto ha adquirido un mayor protagonismo al aumentarse sensiblemente. Por otra parte, el carácter liso de las caras laterales ha permitido que éstas reflejen los módulos circundantes, por lo que la experiencia sensorial del espectador se enriquece si evoluciona éste frente o al lado de estos conjuntos, contrariamente a lo que ocurre a causa de la univocidad de la percepción pictórica tradicional. Del mismo modo, el irregular resalto de las diferentes partes que componen los polípticos pictóricos de Calapez consigue un efecto desestabilizador en el espectador. Y esto ocurre más notoriamente en aquellas obras cuya disposición sobre la pared resulta simétrica, pues el hecho de no presentar su capa frontal, y por tanto, la capa pictórica, una altura idéntica, provoca que su percepción resulte asimétrica.
La naturaleza constructiva que alienta en la producción pictórica de Pedro Calapez convive con las manifestaciones ensoñadoras de una creación que se quiere fundamentalmente dirigir a los sentidos. Aspecto que emparienta la obra de Calapez con la de los creadores de la pintura all-over, con quienes ha confesado compartir la voluntad de abrigar al espectador de su pintura en un campo cromático. La obra de Calapez, siendo una pintura abstracta absolutamente física, carece del dramatismo de la gestualidad alcanzada por el Expresionismo Abstracto norteamericano o por el Informalismo europeo. Es la suya una pintura de valores atmosféricos, ausente de violencia, y cargada, no obstante, de una actitud vigorizante.

TRIBULACIONES DE UN CHINO EN CHINA

No cabe duda de que China se encuentra muy de moda últimamente. Su potencial demográfico, el despegue económico del país y la consecuente invasión de productos chinos en todas partes del mundo contribuyen también a ello.
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Shen Jingdong: "Héroe Nº 17" (2007). "Héroe Nº 9" (2007).
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Por si fuera poco la celebración de los Juegos Olímpicos de Pekín va a dar ocasión a las cadenas de televisión de todo el mundo de mostrarnos las diversas facetas del inmenso cambio experimentado por ese país en los últimos veinte años.
En este contexto, también está surgiendo un arte chino que llama con fuerza a las puertas de los circuítos artísticos de los países desarrollados. Un ejemplo de ello es la obra del pintor y ceramista Shen Jingdong (1965), que puede ahora contemplarse en Nueva York. Este artista concluyó sus estudios en 1991 y posteriormente pasó dieciséis años como miembro de una compañía de teatro de las fuerzas armadas. Es evidente que tanto tiempo entre los espadones debe dejar alguna huella y esto es perceptible claramente en la obra de Shen, quien ha realizado series enteras de cuadros cuyos protagonistas son soldados chinos. Y por si no fuera bastante con la pintura, también ha representado a militares en cerámica y otros materiales.
Shen Jingdong: "Cinco camaradas" (2008).
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Desde el triunfo de la revolución maoísta en 1949, se ha considerado que el ejército popular de liberación chino (ese es su nombre oficial) ha sido el eje central de la sociedad comunista, la quintaesencia de la defensa de los valores de esa nueva sociedad pretendidamente igualitaria. El soldado ha tenido en China, por lo tanto, el valor de un símbolo; un ejemplo de esos héroes populares que tanto gustaban al maoísmo.
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Shen Jingdong: "Marina, Ejército, Fuerzas Aéreas" (2007).Shen Jingdong: "Héroe" (2007). Cerámica..
Pero, ¿qué soldados son estos que nos muestra Shen Jingdong en sus obras? Formalmente, más que símbolos del ejército comunista parecen iconos del arte pop, tanto por la concepción y composición como por los colores empleados. De modo que podemos apreciar un cierto tono irónico en las obras de este artista chino quien, de hecho, ha visto ya como alguna de ellas era censurada por el gobierno de su país.
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¿Quién sabe? Tal vez el artista reflejó los soldados que vio durante su larga estancia en el ejército. Tal vez se representó a sí mismo, algo robotizado por las rutinas inherentes al aparato militar. Por eso su obra quizás vez sea un ejemplo de los vientos de cambio que van a seguir soplando en China, en todos los sentidos. Aunque las autoridades no quieran enterarse.